Ар брют, искусство аутсайдеров и наивное искусство: Разбираемся в терминах инклюзивного искусства

16 ноября открывается онлайн-выставка "Резиденція Нормально". Это результат совестной работы инклюзивной мастерской Ателье с Goethe-Institut Ukraine в сотрудничестве с Touchdown21 и The Naked Room. В канун открытия кураторка выставки Екатерина Яковенко разбирается в истории инклюзивности в искусстве.

Разбираемся в терминах

В 17 лет французский художник и скульптор Жан Дюбюффе переехал в Париж — тогда центр мировой культуры. Там он познакомился с разными людьми, представителями различных направлений культуры. Но поистине его мир перевернула книга Ганса Принцхорна "Живопись душевнобольных" (1922). Монография настолько впечатлила художника, что разочаровавшись в своих работах: вернулся в родной город Гавр и с 1925 года занялся семейным делом — виноделием. Но искусство он не бросил. Жан Дюбюффе начал собирать коллекцию искусства — его интересовали работы, созданные непрофессиональными мастерами и преимущественно людьми из маргинальных социальных групп - душевнобольными, инвалидами, заключенными, одиночками, детьми. Именно Жан Дюбюффе для описания своей коллекции придумал термин АР БРЮТ (с французского — "грубое искусство"), которым и до сих пор маркируют практику непрофессиональных художников. Правда, со временем этот термин начали подвергать критике.

Позднее в английском языке возник синоним — ИСКУССТВО АУТСАЙДЕРОВ (outsider art), однако же этот термин уже включал в себя не только "грубое" и "примитивное искусство", но и других групп, оказавшихся на маргинесе жизни и художественного мира. Этот термин также подвергается критике, но уже из-за его широты, ведь сюда можно отнести, как художников без профильного образования, так и художников с профессиональных образованием, но не обладающих возможностями выставляться в мировых галереях.

Например, когда кураторы полтавской галереи JUMP взялись изучать контекст местного искусства в 1990-е, они обратили внимание на не встроенность художников в мир современного искусства. Авторы сознательно избегали любых возможностей привлечь их в галереи и музей. В то же время, они создавали безумные работы, да и всю их жизнь можно приравнять к перформансу. Куратор галереи Антон Усанов обозначал, что эти художники — аутсайдеры. Пребывая далеко в провинции, они всячески подчеркивали свой маргинальный статус, превращая эту иронию в предметы искусства. Они сознательно выбирали форму, темы и концептуализировали свою исключенность из художественных процессов. Результаты исследования полтавчан можно увидеть в книге "ДуСт: неформальное искусство 90-х".

Еще одним термином, которым обозначают искусство самоучек является НАИВНОЕ ИСКУССТВО. Его отличительной чертой является неправильное использование перспективы, изменение пропорций и заметное глазу аматорство.

И ар брют, и искусство аутсайдеров, и наивное искусство часто характеризует чистое сознание автора, его искренний, наивный подход к предмету своего творчества. Такое искусство также называют "чистым", ведь оно лишено дополнительных оценок, смыслов и контекстов. Художники этих направлений видят все иначе. Это не всегда так. На выставке "Точка, линия, возможности", которая сейчас проходит в PinchukArtCentre и представляет работы художников направления ар брют, представлена работа, где художник Алексей Овдиенко также обращается к приему — белому на белом. Это цитата поисков авангардиста Казимира Малевича. На пути к супрематизму и полного отказа от живописи он экспериментировал и создал три разных квадрата — черный, красный и белый.

Если у художника нет профильного образования, значит ли что он — аутсайдер?

Не смотря на то, что Жан-Мишель Баския с детства ощущал потребность в рисовании, он никогда не учился в профильных художественных заведениях. Его образованием были книги, походы в музеи и обсуждение того, что он видел. Первая известность пришла к художнику после того, как он начал оставлять на стенах надписи SAMO или SAMO shit. Этот ник сразу стал известен среди граффити-райтеров. О нем писали газеты, но художника это не устраивало, он стремился к большей славе. Однажды, он подошел в кафе к Энди Уорхолу, которого впечатлил своими работами и той скоростью, с которой он их создавал. История знакомства Баскии и Уорхола легендарная. Впечатленный умением и талантом молодого автора Уорхол начал сотрудничество с художником, став для него настоящим наставником. В свои 22 года он стал самым молодым художником крупнейшей выставки современного искусства Documenta. Умер Баския в 27 лет. Сегодня Баския — один из самых известных и востребованных авторов, он — одна из ведущих фигур неоэкспрессионизма.

Еще один пример — Катерина Белокур. Художница всю жизнь мечтала творить, но ее творчество не поощряли в семье. Однако, не смотря на запреты, она не бросала живопись. У Белокур не было ни то что художественного образования, у нее не было никакого образования, даже документа, подтверждающего семилетнюю школу. При своей жизни Белокур оказалась на маргинесе. Судьба художницы складывалась достаточно трагично, но благодаря своим таланту и стараниям, ее работы появляются на выставках в музеях, а художницу приглашают в Союз художников УССР. Сегодня ее картины известны по всему миру. Это пример сложного восприятия мира, желания красоты и свободы, несмотря на голод, войну, бедность и отсутствие близких людей рядом.

Сегодня художественный мир разнообразен и открыт к экспериментам. Множество художников, которые сотрудничают с галереями и музеями, не обладают профильным образованием — философы, писатели, программисты и самоучки — оказываются в равных условиях. Выстраивая свои связи, художественные институции интересуются не тем, какая школа стоит за художником, художницей или группой, а тем, какое искусство создается этими людьми.

Мастерские и ателье

Часто альтернативой профильным академическим курсам являются альтернативные мастерские и ателье, где художники с особенностями развития, аутсайдеры и самоучки находятся в плотном диалоге со своими более опытными коллегами. Обучение в таких мастерских часто построено именно на процессе диалога, на пережитом совместном опыте. Часто структура подобных заведений построена в нескольких направлениях — производство произведений искусства и программы обучения. Иногда к этому добавляется еще и функция продвижения данных работ в музеи и галереи, а также популяризация.

В Украине есть два примера подобных мастерских — "Мастерская возможностей" в PinchukArtCentre и Ателье Нормально, которая возникла благодаря воркшопам, инициированным Гете Институтом в Украине. Опыт обеих мастерских является уникальным. Результатом четырехлетнего опыта "Мастерской возможностей" стала выставка "Точка, линия, возможности" (кураторки — Катерина Бучацкая и Ольга Шишлова), а следствием диалогов и сотворчества участников "Ателье Нормально" — две выставки "Что важно" (международная) и "Ателье Нормально". Работы художников также были показаны на разных коллективных выставках, а также видео включены в международные показы. Сегодня художники "Ателье Нормально" являются резидентами специальной художественной коллаборации от Goethe-Institut Ukraine в сотрудничестве с Touchdown21 и The Naked Room, которая финансируется Министерством иностранных дел Федеративной Республики Германия. Каждую неделю они устраивают совместные онлайн-встречи, где обсуждают культуру, традиции и опыт своих стран. А результатом этих бесед становятся новые художественные работы, с которыми можно будет ознакомиться онлайн 16 ноября, а также на страницах специального журнала.

Это не детские работы и не просто рисунки!

Очень часто работы художников ар брюта называют "детскими", и потому о подобном искусстве думают, что его создают дети. На самом же деле творчество приходит к людям в разное время — у кого-то с самого детства, а у кого-то уже в сознательном возрасте. Самая яркая история — история художницы из села Олешки Херсонской области Полины Райко, которая начала рисовать в свои 90 лет. Всю жизнь она занималась семьей и хозяйством и вела достаточно традиционный образ жизни, который ничем не отличается от уклада других семей. Однако же, пережив несколько личных трагедий за несколько лет, потеряв мужа, сына и дочь, она ощутила желание пережить свою боль через творчество. Райко обрисовала стены своего дома, вплоть до лампочек, создав собственную мифологию, основанную как на советской визуальной культуре, так и на собственных представлениях об идеальном мире. В ее доме повсюду "летают" ангелы и птицы, которые становятся символическими оберегами. Образы Райко наивны и просты. На росписи художница тратила все свое время, силы и средства. Сегодня ее дом — место паломничества туристов и любителей искусства. Благодаря художникам из Херсона был создан Фонд Полины Райко, который занимается популяризацией ее творчества и сохранения наследия. В 2018 году Исследовательская платформа PinchukArtCentre воссоздала одну из комнат Полины Райко для выставки "Свое пространство". Поместив работу в "белый куб", они актуализировали искусство художницы в поле современного искусства.

Часто искусство этого направления представляется как графические работы. Но есть также множество примеров, когда в подобном стиле создают скульптуры, живопись и даже кино. Яркий пример — киносценарии Александра Стешенко. Его работа "Международные двери в Европу" — это ироническая работа о современной геополитике. Работа построена в виде диалогов стран, которые пребывают в поисках ключей от Украины. Диалоги каждой страны построены на стереотипном представлении об этих странах и их культуре. И только когда эти диалоги озвучены, возникает ощущение дискомфорта от собственных рамок, в которые мы помещаем другие культуры и общества. Стешенко реагирует на современность через клише, усиливая их и доводя до абсурда. Видео было показано на кураторской выставке Никиты Кадана "Сегодня мы будем изобретать нации" в Кмытовском художественном музее.

Выставляют ли такое искусство в музеях?

Ар брют, искусство аутсайдеров, а также наивное искусство часто можно увидеть в различных музеях и галереях, а том числе и в Украине. Многие работы работы художников-самоучек ХХ века находятся в частных коллекциях, а также преимущественно в собраниях музеев декоративно-прикладного искусства. Однако, не только классические и традиционные музеи способны хранить и показывать ар брют и наивное искусство, определенный контекст создают ему и галереи и музеи современного искусства.

Нужно ли сохранять подобное искусство?

Вопрос сохранности — один из важных. Из-за хрупкости работ, а также равнодушию окружающих, это искусство, как и любое другое, оказывается под угрозой. Подобная ситуация случилась с работами Олега Митасова — художника из Харькова, который со второй половины 1980-х — до середины 1990-х расписывал свою квартиру, стены своего дома и района. Митасов — яркий представитель ар брюта и творчества душевнобольных. Его называют культовой фигурой своего времени. Он, как и Райко, тратил свои средства на краску, которой потом оставлял послания на стенах. После того, как Митасов умер, его квартира еще какое-то время оставалась нетронутой. Однако через несколько лет родственники художника сделали в ней евроремонт. Исчезли и практически все росписи, которые художник оставлял в городе. Фактически, о Митасове осталась лишь миф, память и несколько публикаций в культовом для 1990-х журнале "НАШ".

Совершенно другой пример — работы Параски-Плитки Горицвит, художницы-самоучки из Крировивни Ивано-Франковской области. Сегодня ее дом — это музей. История художницы и ее работы были показаны в Мыстецком Арсенале во время выставке "Преодоление гравитации". Сказки, рисунки, картины, фотографии, вышивки — художница будто не могла остановится, она настаивала работы одна на другую, создавая свою собственную вселенную. Но если ранее были известны ее прикладные работы, то выставка показала еще и фотоархив — огромный этнокультурологический материал, который говорит о своем времени лучше любого документа.

Ар брют и современное искусство

В этом тексте уже неоднократно шла речь о том, что ар брют, искусство аутсайдеров и наивное искусство часто представлено в музеях и галереях. Но помимо этого оно еще часто "перерабатывается" и осмысляется другими современными авторами, работающими с разными жанрами и темами.

Известно, что народное искусство и искусство самоучек вдохновляли Александру Экстер, Казимира Малевича и других художников начала ХХ века.

Вдохновлялся творчеством душевнобольных и херсонский автор Станислав Волязловский. В одном из интервью Волязловский вспоминал о том, как появился его интерес к поиску и изучению ар брюта. Однажды художник Юрий Соломко обратил внимание на стецифику работ Волязловского, отметив, что оно близко тому искусству, которое делают душевнобольные. С тех пор Волязловский начал изучать искусство аутсайдером, читать его историю и вдохновляться им. Сам художник признавался "Да, это так сказать "народное искусство"". Людям все это близко. Все помнят, как в детстве заходишь в общественный туалет, а там все расписано. Я апеллирую к этим, всем понятным образам. С другой стороны, это ведь коммуникация. Я создаю текст, какую-то часть люди понимают, какую-то понимают не все. Мои произведения открыты для интерпретаций, люди находят в них свои смыслы [...] Я — художник аутсайдер. Я творю то, что считаю нужным, и так, как мне видится". Эту фразу он сказал будучи номинантом премии Казимира Малевича, еще не зная, что эта премия достанется именно ему.

Наивное искусство и мода

Искусство самоучек вдохновляло разных людей, в том числе и модных дизайнеров. Яркий пример — мастерская в селе Скопцы, которая существовала благодаря поддержки художницы Евгении Прибыльской. Прибыльская закончила Киевское училище живописи и первое время работала как живописец. Но вскоре она обратила свое внимание на изучение народного искусства и преподавание художникам-самоучкам. На протяжении 1908 — 1910 годов она исследовала традиции ткачества и вышивки. А благодаря ее протекции "народных художников" стали известны многие талантливые авторы — Ганны Собачко, Параски Власенко, Натальи Вовк. Прибыльская активно сотрудничала с мастерской современного костюма Надежды Ламановой и с "Коверкустэкспортом", соединяла народные традиции модерным подходом.

Подобные эксперименты интересовали и Александру Экстер. Она не единожды посещала Скопцы и часто возвращалась оттуда вдохновенной. Увиденное там помогало ей создавать уникальные формы и образы костюмов для тогдашних авангардных театров.

Больше информации о выставке можно найти здесь.

6 подій, проєктів і виставок, які ввійшли в історію СучУкрАрту.

"Мыло — очень хрупкий материал, а по консистенции схоже с телом человека", — Мария Куликовская.

4 украинки вошли в одну из самых ожидаемых книг о фотографии во Франции.